La historia está basada en hechos reales y narra la historia de Frederick Treves (Anthony Hopkins), un eminente cirujano profesor de universidad que queda impresionado con John Merrick (John Hurt), quien nació completamente deforme a causa de un accidente que tuvo su madre antes de darle a luz. Esas deformidades le hacen ser la monstruosa estrella del circo ambulante que dirige su dueño, quien lo maltrata y le hace vivir en las más penosas condiciones.
El profesor Treves se apiadará de él y descubrirá que John Merrick es una gran persona, muy educada y amable.
El hombre elefante', del excelente realizador David Lynch. Éste fue su segundo largometraje, y con él dio un salto cualitativo tanto en medios disponibles como en renombre de los actores a su servicio. Su primera incursión en el cine –excepción hecha de los cortometrajes 'The Alphabet', 'Six Men Getting Sick', 'The Amputee' y 'The Grandmother'– fue 'Cabeza borradora'. Con 'El hombre elefante' Lynch se reveló como uno de los directores más talentosos del momento. Fue una tarjeta de presentación deslumbrante que pronto concitó el interés de los productores más destacados.
'El hombre elefante' fue un encargo que Mel Brooks hizo a David Lynch por mediación de su socio Stuart Cornfeld, epatado tras la visión de 'Cabeza borradora'. Es de justicia señalar en este punto que el primero en descubrir el talento del director de Montana fue Stanley Kubrick, que consiguió asistir a un pase de la singular ópera prima en su reducido circuito de exhibición y quedó fascinado. Llegó a decir que era la mejor película que había visto. Como no podía ser de otra manera, Lynch recibió estos elogios muy complacido, tanto más por cuanto que procedían de uno de los cineastas que más veneraba, y como no, siendo Kubrick.
La falta de libertad, aceptacion y sobre todo amor maternal conmueve a tal punto, en que llega un momento en que dices: ¿Cuándo demonios le van a dejar de pasar horribles cosas al pobre? y la respuesta es " ay, que ingenuo, si todo esto es una probadita de lo que en verdad sufrió" y si, quiza, en mi opinion, lo unico bueno en toda la historia sea Merrick. El sugerido, el idealizado, el que no aparece para joder con la realidad pero el caso es que muere, y con él su sufrimiento de monstruo y su desamparo. Si otros monstruos como Quasimodo, Erik el Fantasma de la Ópera de París, la Bestia de La Bella y la Bestia buscaban un romance, una novia, un amor adolescente y besucón, el Hombre Elefante, que es un personaje infantil, anda falto de un amor mucho más primordial y acuciante: la asistencia maternal. Esta es la historia de la maternidad negada del niño-monstruo, solo y sucio como los niños de Dickens, alucinante como los monstruos de Lovecraft. Terrible conciliación de registros la del niño-monstruo. Que al final ya no nos parece tan repulsivo y ajeno, que nos es, ya familiarizados, ya conmovidos, más uno de los nuestros, el infausto John Merrick. Donde Lynch consigue hacer daño. Merrick ya es uno de los nuestros, ya hemos sentido lastima de él, luego nosotros somos como esa gente hipocrita que ha salido en la pelicula.
Y si creian que Hannibal Lecter era el mejor pesonaje de Anthony Hopkins,pues estan muy equivocados, tambien, como dato curioso, John Hurt y Hopkins tuvieron que recibir terapia despues de la pelicula. ¿Y quien no?
Insurgentes es una road movie musical que sigue la elaboración del disco de Steven Wilson del mismo nombre. Es el retrato de un artista que trabaja con la música y los medios de comunicación por amor y no por fama ni fortuna, y que insiste en hacer arte en sus propios términos, en un mundo donde la mentalidad de “desechar” se ha convertido en la norma. Insurgentes también sigue a Steven hasta sus raíces, hasta lo que lo llevó a convertirse en músico, desde sus humildes inicios en los suburbios de Londres hasta sus giras por el mundo como un artista exitoso, trabajando con muchos otros artistas reconocidos y creando un legado perdurable de obra grabada.
Es una película que refleja la forma en la que Steven Wilson ha ido grabando su álbum debut y es un retrato de la forma cada vez más clara en la que Wilson ha ido trabajando en su música más allá del amor y no por la fama o la fortuna, como se emnciona arriba, persistiendo en hacer arte dentro de sus propios términos, en un mundo donde la mentalidad de malgastar o desaprovechar, se está convirtiendo en una forma de vida.
El film muestra los episodios de creatividad, preparación y marketing de la música en la era donde los Ipods, mp3´s y la cultura de la descarga están cambiando y minando las percepciones de lo que un álbum se supone exactamente a que debe sonar y que debe parecer, lo cual no debería ser ya que se pierde al importancia del trabajo artistico y solo queda el: ¿Cuantas copias vendiste? (maldita porqueria)
“Mi temor es que la generación actual de chicos que están naciendo en esta revolución de la información y creciendo con internet, teléfonos móviles, ipods y este tipo de cultura de descarga, además de tener como referencia el “Idolo Americano”, los realities en TV, las drogas prescritas, las Playstations… todo este tipo elementos que distraen a la gente de lo que es realmente importante en la vida y que genera un sentido de curiosidad sobre lo que hay ahí fuera” (Steven Wilson, MTV News).
... este es mi favorito
Wilson ha probado varias maneras para destruir iPods, como una protesta contra cómo el formato MP3 reduce la experiencia de la escucha. "Me pregunto si personas se dan cuenta qué mierda que están escuchando cuando escuchan a un MP3.", preocupa a Steven Wilson, quien compara el resultado final de esta compresión de audio con alguien que está mirando una fotocopia de una pintura en una galería de arte.
Antes de venir a México, Steven Wilson no se sentía atraído por el País; de hecho, le daba lo mismo que su banda, Porcupine Tree, viniera a tocar. Pero, cuando el año pasado se presentaron en el Teatro Metropólitan, el músico quedó prendado del lado oscuro de la Ciudad.
No de los sitios turísticos por excelencia, sino de los rincones poco visitados, aquellos que están envueltos por un halo de misterio y surrealismo. Tanta fue su conexión que decidió nombrar a su primer disco en solitario Insurgentes, como la transitada avenida.
“Hay algo extraño en este País, en el buen sentido. Creo que las cosas más interesantes en el mundo son difíciles de entender, me gusta cuando las cosas tienen algo oscuro, y cuando vine a México encontré algo oscuro en su alma, y me gustó”, expresa el músico, quien compagina su trabajo con la banda británica con la promoción de su álbum.
“Cuando estuvimos viajando, vi ese letrero (Insurgentes) por todos lados, pregunté qué era y me dijeron que era la avenida más grande de la Ciudad. Lo que me sugirió que sería un buen título es que Insurgentes significa rebelión, y esa es la manera en que me siento como músico: me rebelo contra la manera en que la industria musical trabaja, y amo hacer eso”.
La Isla de las Muñecas, en Xochimilco, Cholula, las Momias de Guanajuato y el Templo de Santa Teresa, en el Centro, fueron algunos de los sitios en los que Steven encontró la esencia para escribir las canciones del disco. De hecho, el tema que le da título fue grabado en una noche en el templo.
“Pasamos una noche entera ahí trabajando, trajimos equipo y la canción fue escrita y grabada en la noche, en este lugar. La idea de la música fue inspirada directamente por las locaciones y el sentimiento que obtenía en ellas”, comenta el inglés durante su charla con Gente! en San Ángel.
Ocho meses le tomó al líder y guitarrista de los Porcupine Tree la creación del álbum, desde diciembre del año pasado hasta agosto de este, y en ese tiempo viajó no sólo a México, sino también a Inglaterra, Australia, Japón, Suecia, Finlandia y Estados Unidos.
México no sólo contribuyó con su ambiente, sino también con su cinematografía pues uno de los temas del disco lleva por nombre “Veneno para las Hadas”, homónimo de la cinta de Carlos Enrique Taboada.
“Es una gran canción, por eso México es tan especial para mí. Es una película para niños muy, muy torcida y oscura, un poco perversa y surrealista, y me encanta eso. Sólo la idea de envenenar a las hadas es muy torcida”, expresa.
Insurgentes no sólo es un álbum, en una edición especial, pues además el disco se lanzó junto con un libro de fotografías de las locaciones en donde se grabó, tomadas por Lasse Hoile y Susana Moyaho.
“Las cosas que me inspiran como artista son cosas que tienen una combinación, un buen balance entre belleza y algo un poco torcido; definitivamente, eso lo tienen en México”.
Steven Wilson, músico
Para el álbum , el primero de un contrato de tres álbum con Kscope, Wilson contrató a un elenco estelar de invitados a trabajar en el álbum como bajista Tony Levin, baterista Gavin Harrison y teclista Jordan Rudess, junto a jugador japonés Koto Michiyo Yagi, guitarrista Snowman de arena y flautista de jazz y saxofonista Theo Travis.
Comprende 10 canciones que van desde las baladas y himnos a ultranza ruido industrial agresiones, el álbum oscuro, cinematográfico y ricamente con textura representa dos años de producción creativa y numerosas sesiones de grabación en todo el mundo en estudios de la ciudad de México a Japón e Israel.
Al fin de cuentas la pelicula habla de que para ser musico, un buen musico o mejor dicho un artista, no necesitas la fama, ni hoteles caros, ni el buana buana del mundo, sino realmente la importancia de saber que estas haciendo un buen trabajo porque AMAS lo que haces y lo demas vendra solo y quedando en segundo termino.
Ficha Técnica
Titulo: Insurgentes
Año: 2008
Director: Lasse Hoile
Fotografía: Lasse Hoile
Edición: Lasse Hoile
Producción: Steven Wilson, Lasse Hoile
Lugares de Grabación: Mexico, Dinamarca, Reino Unido, Israel,
Suecia, Inglaterra, Finlandia, Holanda y Estados Unidos
Idioma:Inglés
Duración: 77 min.
TRAILER
Muere maldito, muere¡
Este es mi favorito... ahm, ya lo dije verdad?
... por respeto a Steven Wilson no voy a poner link de descarga
Dario Argento (7 de septiembre de 1940), director, productor y guionista italiano de cine. Conocido por sus trabajos del género giallo, y su influencia a películas de terror y slashers. Sus padres fueron el productor de cine Salvatore Argento y la modelo brasileña Elda Luxardo. Empezó su carrera como crítico de cine, escribiendo para varias revistas mientras estudiaba. No entró a la universidad, eligiendo escribir para el diario "Paese Sera". Mientras trabajaba para el diario comenzó a escribir guiones. Uno de sus trabajos más notables fue en colaboración de Bernardo Bertolucci para la película de Sergio Leone, Once Upon a Time in the West. Escribió y dirigió su primera película, L'Ucello dalle piume di cristallo (El pájaro de las plumas de cristal ), que fue estrenada en 1970, siendo todo un éxito en Italia.
Su estilo como director fue influenciado por Mario Bava, Riccardo Freda, Sergio Leone, Alfred Hitchcock, Michelangelo Antonioni y Federico Fellini. (de los cuales grandes genios todos y se merecen que hable de ellos luego).
Cine Giallo subgénero cinematográfico de origen italiano, derivado del thriller y del cine de terror. El nombre de "Giallo" (amarillo en italiano), se debe a que estas películas, están basadas en los argumentos de una colección de novelas con la cubiertas de ese color. Este tipo de películas fue iniciado por Mario Bava con la película La muchacha que sabía demasiado (1963), lo cual dicho género provocó que durante la década de 1970 (y gran parte de la década de 1980) las pantallas se llenaran con títulos enigmáticos, protagonizados por psicópatas enmascarados, con guantes de cuero, y bellas mujeres en peligro que se movían compulsivamente en una trama enrevesada. Aunque Mario Bava es catalogado como el creador del cine Giallo, Argento fue quien popularizó el género y lo expandió fuera de Italia. Dirigió tres películas bastante exitosas dentro del género, El pájaro de las plumas de cristal (1970), El gato de las nueve colas (1971) y Cuatro moscas sobre terciopelo gris (1972). Luego volvio a los thrillers con Rojo Oscuro (1975), catalogada como el mejor trabajo del italiano. La película hizo famoso a Argento, y su estilo inspiró a varios directores como John Carpenter, conocido por su película Halloween.
La siguiente película de Argento fue Suspiria (1977), un thriller violento y sobrenatural, yo creo que Suspiria y Rojo profundo son los mejores trabajos de Argento, aunque tambien me gustan las demás. Esta película era la primera de la trilogía sobre «Las tres madres», tres antiguas brujas que vivían en tres ciudades modernas diferentes. La segunda película de la saga fue Inferno en los años 1980. Pero la trilogía no se pudo completar hasta 2007 con "La Terza Madre", debido a problemas financieros.
En 1982volvio con el cine giallo con Tenebrae (1982) y Phenomena (1985), un cruce entre terror sobrenatural y giallo clásico, despus tuvo un mal momento con Opera (1987) ya que la filmación estuvo llena de pequeños accidentes y errores que convirtieron a la película en una de las peores experiencias de Argento, oviamente fue mal recibida por los criticos y el público.
Argento colaboró con George A. Romero en una adaptación a la obra de Edgar Allan Poe, Los Ojos del Diablo (1990). También participó en películas de poca fama como Trauma (1993) y una versión de El fantasma de la ópera en 1998. Tras estas películas perdió muchos fans y los críticos no lo veían de buena manera.
A partir del 2005 empezo algo de television dirigió un capítulo de la serie Masters of Horror titulado «Jennifer», en este mismo año realiza el telefilm ¿Te gusta Hitchcock? ambos recibidos de buena forma. En diciembre de 2006 estrenó «Pelts», un nuevo capítulo de Masters of Horror, y po ultimo en 2007 haciendo films de nuevo pudo concluir la trilogía «Las tres madres», rodando La terza madre.
El pájaro de las plumas de cristal (1970)
El gato de las 9 colas (1971)
Cuatro moscas sobre terciopelo gris (1971)
Rojo Oscuro (1975)
Suspiria (1977)
Inferno (1980)
Tenebrae (1982)
Phenomena (1985)
Un chico conoce a una chica. El chico se enamora; la chico no. Esta historia de amor posmoderna no sigue el esquema esperado al no ocurrir lo que esperábamos - sí tiene sus cuantas espinas y sin embargo es alegre, divertida y triste, un viaje con sus altos y sus bajos que no siempre permanece dentro del camino previsto. Cuando Summer inesperadamente termina su relación amorosa con Tom este muy descontento redactor de contenidos para tarjetas de felicitaciones e incurable romántico divaga por las diversas etapas de aquellos 500 días que pasaron 'juntos' en un intento por descubrir cuando se inició el descenso de la relación. Por último sus reflexiones le permiten volver a descubrir aquello que realmente lo apasiona en la vida.
500 Days of Summer no es la típica película de amor (o como dicen en el trailer, no es la típica historia de amor). A medida que se desarrolla la película, uno se da cuenta de que los personajes principales son como uno, como el vecino, como el amigo, o como el compañero de trabajo. Es decir, uno se puede ver reflejado perfectamente en dichos personajes, ademas el cine americano es bastante tajante en cuanto a categorizaciones se refiere. Algunas superproducciones podemos adivinarlas desde su póster, y lo mismo pasa con todos los géneros. Basta ver un minuto de una película americana, esto no habla mal de la película en sí, sino de la poca sorpresa general que despiertan las categorizaciones actuales de Hollywood.
Y porque a pesar de esto es una linda historia de amor que todos hemos visto alguna vez.
Cyrano es un poeta y espadachín que expresa su amor por la bella Roxane por boca de Christian, el apuesto soldado a quien ella ama. Jactancioso y fanfarrón, de genio vivo pero a la vez ingenioso e irónico, noble y orgulloso, . Su agudo sentido del ridículo, el no considerarse bien parecido, y su impredecible susceptibilidad le han negado su sueño de sentirse amado por la más deslumbrante y delicada de las mujeres: Roxane. Ya que su amada quiere a otro, ayudará a su rival escribiendo para el apasionadas cartas de amor. Y esa será su más dura batalla, la más cruel que jamás haya luchado, sacrificio consciente y engaño sublime el ser correspondido su amor a través de otro, ofreciendo a quien ella cree desear.
El gascón más hábil, valiente y letrado ha nacido con una lacra contra la que no puede luchar: ¿es pobre?, ¿es innoble?, ¿es antipático?. No, ¡es feo!. No hay nadie que maneje mejor la espada que Cyrano, tampoco tiene igual en el arte de la versificación, la oratoria o el galanteo. Y sin embargo, Cyrano es también un hombre quisquilloso y atormentado debido a un defecto físico del que se siente avergonzado: su descomunal nariz. Su desdicha llegará al máximo cuando renuncie al amor de Roxane y decida ayudar a su rival Christian a conseguir el favor de ella.
Rappeneau firma una nueva versión del clásico de Edmond Rostand, tras la protagonizada por José Ferrer en 1950. Desde el primer duelo en el teatro hasta su bello y agridulce final, la película está mimada en su puesta en escena, en su finísimo humor y en cada una de las rimas del guión, sin olvidar la monumental interpretación de Gérard Depardieu. El Globo de Oro logrado en 1991 no puede ser más certero...¡Y al finalizar...os hiero!
Aun asi, y por sobre todo cyrano es una gran, pero gran muestra del amor puro, del romance en su forma original, el verdadero amor, Cyrano refleja muchas cosas que hoy en dia, por desgracia, casi no hay. y claro en pelicula es magnífica, pero leer el original de Edmond Rostand, es aun mas placentero, me faltan palabras para decir cuan grandioso es este singular personaje. ¡Por eso me regalo de cumpleaños este post!
Ficha Técnica:
Título: Cyrano de Bergerac
Dirección: Jean-Paul Rappeneau
Producción: René Cleitman
Michel: Seydoux
Guión:
Jean-Claude Carrière
Jean-Paul Rappeneau
Música: Jean-Claude Petit
Sonido:
Pierre Gamet
Dominique Hennequin
Fotografía: Pierre Lhomme
Montaje: Noëlle Boisson
Escenografía: Ezio Frigerio
Vestuario: Franca Squarciapino
Reparto:
Gérard Depardieu
Anne Brochet
Vincent Pérez
Jacques Weber
Roland Bertin
Philippe Morier-Genoud
Pierre Maguelon
Ludivine Sagnier
Sandrine Kiberlain
País: Francia
Año: 1990
Género: Drama
Duración: 135 minutos
Productora: Hachette Première et Cie
TRAILER:
DESCARGA: AQUI ESTAN LAS DOS VERSIONES, LA DE 1950 Y LA DE 1990, ¡DISFRUTENLA!
El Doctor Parnassus es un hombre que hizo una apuesta con el diablo, debían coger almas inocentes y darlas a escoger entre la imaginación y la tentación. La recompensa era la inmortalidad del Doctor, que gano la primera vez, pero la apuesta fue repitiéndose y creciendo. Parnassus tiene una atracción en Londres, para atraer a gente y poder darlas a elegir. Convive con Percy, Anton y su propia hija, Valentina. El día que Valentina, cumpliese dieciséis años, su vida pertenecerá al diablo, al haber fallado su apuesta el Doctor. A tres días del cumpleaños, el diablo de otorga una prorroga, el primero que consiga cinco almas gana.
Esa misma noche, aparece un hombre colgado de una orca en el puente y deciden rescatarle. Tony, el hombre en cuestión, seduce a Valentina y propone un gran reclamo para “El Imaginario”, convirtiéndolo en todo un espectáculo, digno de presenciar.
¿Cómo sería un cuadro de Fausto, pintado por Dali?
Terry Gilliam ha conseguido brindarnos una despedida a Heath Ledger de la mejor manera posible. Si “El Caballero Oscuro” ya era una buena muestra de las capacidades del actor, nos encontramos con su segunda película post-morten, que en este caso no llego a rodar en su totalidad.
La película discurre entre el mundo real y el de la imaginación, siendo Heath el actor que interpreta a Tony en el plano real, mientras que Johnny Depp, Jude Law y Colin Farrel, ocupan el plano de la imaginación. Parnassus está perfectamente interpretado por Christopher Plummer, y a l diablo, lo encarna Tom Waitts.La historia me ha gustado mucho, quizás tarda un poco en arrancar, alargan el principio, pero me gusto muchísimo la idea que propone la película en su conjunto. Esta muy bien narrada y construida. Los paisajes de la imaginación recuerdan a Dali, mientras que los reales son algo barrocos, con una mezcla clásica en un ambiente moderno.
A fin de cuentas una película muy lograda, todo una despedida de un gran actor y una historia fantástica.
Ficha Técnica
Título: El imaginario del Doctor Parnassus
Titulo Original: The Imaginarium of Doctor Parnassus
Dirección: Terry Gilliam
Producción:
Samuel Hadida
Amy Gilliam
William Vince
Guión:
Terry Gilliam
Charles McKeown
Música:
Jeff Danna
Mychael Danna
Montaje: Mick Audsley
Escenografía: Nicola Pecorini
Reparto:
Christopher Plummer
Heath Ledger
Tom Waits
Lily Cole
Andrew Garfield
Johnny Depp
Jude Law
Colin Farrell
Verne Troyer
Países: Reino Unido, Estados Unidos, Canadá, Francia
Durante la Segunda Guerra mundial Casablanca, en el protectorado francés de Marruecos, es una ciudad de fácil acceso pero casi imposible de abandonar, especialmente para los que se encuentran en la lista de perseguidos por los nazis. Allí se apiñan los refugiados buscando un salvoconducto que les permita llegar hasta Lisboa y de allí dar el salto a América. Muchos de esos refugiados se reúnen cada noche en el Café de Rick, un americano de pasado oscuro pero que parece mantenerse al margen de esas intrigas.
Una noche aparece en el café Ilsa, la única mujer a la que Rick Blaine ha amado y por la que fue traicionado. Es la esposa de Víctor Lazslo, un checo que lidera la resistencia en Europa y al que los nazis desean capturar. Cuando Ilsa se ofrece a reanudar su relación con Rick a cambio de un visado que consiga sacar a Laszlo del país, aquél se verá obligado a tomar decisiones que le confrontarán con lo más oculto de su pasado.
Casablanca es una de esas películas que uno puede ver dos, tres, cinco o diez veces, y aún sigue asombrando. Michael Curtiz era un genio
Todos saben algo de Casablanca, la hayan visto o no. ¿Quién no conoce su final subversivo, opuesto a lo que mandan las convenciones de las películas de amor? ¿Alguien ignora la melodía de El tiempo pasará, entonada por Sam a pedido de Ilse (Ingrid Bergman) –que, dicho sea de paso, nunca dice "Tócala de nuevo" –? ¿Existe una persona que no sepa que durante el rodaje no se conocía el final de la historia porque el guión se hacía sobre la marcha, democráticamente, con todos los escritores de la Warner aportando sus propios diálogos?
Simple y sencillamente es una pelicula magnifica.
Ficha Técnica:
Título Original: Casablanca
Dirección: Michael Curtiz
Dirección artística: Carl Jules Weyl
Producción: Hal B. Wallis
Guión:
Julius J. Epstein
Philip G. Epstein
Howard Koch
Casey Robinson (sin créditos)
Música: Max Steiner
Sonido: Francis J. Scheid
Editor: Owen Marks
Fotografía: Arthur Edeson
Vestuario: Orry-Kelly
Efectos: especiales Lawrence Butler
Reparto:
Humphrey Bogart
Ingrid Bergman
Paul Henreid
Claude Rains
Conrad Veidt
Sydney Greenstreet
Peter Lorre
S.K. Sakall
Madeleine LeBeau
Dooley Wilson
Joy Page
John Qualen
Leonid Kinskey
Curt Bois
País: Estados Unidos
Año: 1942
Género: Drama, Romance, Guerra
Duración: 102 minutos
Idioma: inglés, francés, alemán
Presupuesto: $1,039,000
• Basado en: la obra teatral Everybody comes to Rick´s de Murria Burnett y Joan Allison Productor: Hal B. Wallis para Warner Bross
• Recibió 3 Oscars (mejor película, mejor director y mejor guión) y fue nominada para otros 5 (actor principal y secundario –Claude Rains-, fotografía, montaje y música original)
Autocrítica(mas que antes), introspectiva(de vez en cuando), muy analitica y un tanto aferrada(casi siempre).
En ocasiones solitaria, casi siempre apartada de la inmundicia de sociedad y el mundo en general.